lunes, 30 de julio de 2007
Apuntes para pensar
SOBRE LO GANADO Y LO PERDIDO
Gran parte del Siglo XX -siglo de la Modernidad por excelencia- se caracterizó por las búsquedas, no exentas de fuertes enfrentamientos, encaminadas a prescindir de la anécdota en el arte o por lo menos de subsumirla en una totalidad artística capaz de proponerse en primer lugar a la mirada del espectador. Esto, en las artes visuales, significa privilegiar las relaciones formales, técnicas y porque no de contenido: emocional, espiritual, expresivo o como quiera llamársele a aquello inasible e inexplicable, tan peculiar del arte, sobre la narración de historias, por edificantes que estas sean. Al artista más comprometido se le exige (¿se le exigía?) un compromiso anterior con la excelencia profesional, para llamar de algún modo tal vez inadecuado, al hacer arte.
Lo ganado sería: Puede importarme o no lo que me cuentas, importa como lo cuentes.
Sin embargo el arte hoy, sobre todo el de la Bienales, presenta un amplio catálogo de causas, a no dudarlo justas y nobles tales como los problemas derivados de las migraciones desde la periferia a los países centrales, el calentamiento global, la discriminación de las minorías, etc., etc. El creador, hombre o mujer, está no solo ideológicamente implicado en los problemas vitales del mundo actual, sino también en la interpretación estética de los mismos, de manera manifiestamente clara, en ocasiones no exenta de pedagogía.
¿Sería esto lo perdido?, ¿o lo anotamos en el haber?
Cito a Rancière: “El arte crítico que invita a ver las huellas del Capital detrás de los objetos y los comportamientos cotidianos, se inscribe en la perennidad de un mundo en que la transformación de las cosas en signos se ve aumentada por el exceso mismo de los signos interpretativos que hace que se evapore cualquier rebeldía de las cosas.”
Raúl Ponce
sábado, 21 de julio de 2007
Reflexiones inmediatas a modo de borrador
Sofia Althabe: Nos preguntamos
1-Acerca de la POLITICA. Acerca del arte como hacer del bien común.
2-De la relación entre VIDA Y MUERTE y la diferencia entre ver la muerte como objeto o como un ser que muere.
El Dadaismo buscó acercar definitivamente el arte con la vida.
Pero su posterior desarrollo desembocó en el hecho de igualar la vida a la muerte. En igualar el arte con la vida por ej. en las imágenes de los realiti show etc.
Como los nuevos discursos por ejemplo las obras de la bienal de Kassel, trabajan fuertemente la temática de la muerte. Nos preguntamos QUE ESTA MURIENDO...la destrución de la naturaleza por descuido ecológico y también la ficción, también la metáfora?
Dolores nombró a Bill Viola que realizo un video donde simultaneamente se veía la agonía y muerte de su madre y en otra pantalla el nacimiento de su hijo.
Y Pato dijo: siempre que ves una realidad con un instrumento de representación estas haciendo arte y es diferente de la vida. Es asi Pato?
(Porfa : aporten aquí mayor claridad a lo que yo trascribo)
2-De la relación o diferencia entre arte y comunicación. Y la nueva tecnología digital que nos permite comunicarnos GLOBALMENTE, pero que presupone o no, una anulación del sujeto y por tanto su manipulación. Porque deja excluidos nulos y mudos.
Sin embargo también es usado internet por grupos antisistema, denunciadores del mismo y que desarrollan una cultura alternativa potente.
Y planteamos que la cultura clásica o los lenguajes artísticos tradicionales no son para nada delesnables frente a los usos de las nuevas tecnologías como productores de nuevos discursos.
Porfa: corrijan este borrador que yo escribí con el objeto de clarificar y ampliar con mayor precisión lo que hoy trabajamos, para que nos quede material documentado de la reunión,pues fue muy rica como introducción a nuestro trabajo.
Pregunto: en este blog no se puede cortar, pegar y borrar?
Contesto DM: cuando uno quiere corregir un escrito o volver a él, se hace el mismo proceso como para publicar una entrada. Alli esta la lista de entradas publicadas, se toca EDITAR y alli se abre el documento como para incluir, suprimir o completar el texto.
1-Acerca de la POLITICA. Acerca del arte como hacer del bien común.
2-De la relación entre VIDA Y MUERTE y la diferencia entre ver la muerte como objeto o como un ser que muere.
El Dadaismo buscó acercar definitivamente el arte con la vida.
Pero su posterior desarrollo desembocó en el hecho de igualar la vida a la muerte. En igualar el arte con la vida por ej. en las imágenes de los realiti show etc.
Como los nuevos discursos por ejemplo las obras de la bienal de Kassel, trabajan fuertemente la temática de la muerte. Nos preguntamos QUE ESTA MURIENDO...la destrución de la naturaleza por descuido ecológico y también la ficción, también la metáfora?
Dolores nombró a Bill Viola que realizo un video donde simultaneamente se veía la agonía y muerte de su madre y en otra pantalla el nacimiento de su hijo.
Y Pato dijo: siempre que ves una realidad con un instrumento de representación estas haciendo arte y es diferente de la vida. Es asi Pato?
(Porfa : aporten aquí mayor claridad a lo que yo trascribo)
2-De la relación o diferencia entre arte y comunicación. Y la nueva tecnología digital que nos permite comunicarnos GLOBALMENTE, pero que presupone o no, una anulación del sujeto y por tanto su manipulación. Porque deja excluidos nulos y mudos.
Sin embargo también es usado internet por grupos antisistema, denunciadores del mismo y que desarrollan una cultura alternativa potente.
Y planteamos que la cultura clásica o los lenguajes artísticos tradicionales no son para nada delesnables frente a los usos de las nuevas tecnologías como productores de nuevos discursos.
Porfa: corrijan este borrador que yo escribí con el objeto de clarificar y ampliar con mayor precisión lo que hoy trabajamos, para que nos quede material documentado de la reunión,pues fue muy rica como introducción a nuestro trabajo.
Pregunto: en este blog no se puede cortar, pegar y borrar?
Contesto DM: cuando uno quiere corregir un escrito o volver a él, se hace el mismo proceso como para publicar una entrada. Alli esta la lista de entradas publicadas, se toca EDITAR y alli se abre el documento como para incluir, suprimir o completar el texto.
Bibliografía nombrada
Les paso la bibliografía sugerida para abordar alguno de los temas que tiramos hoy
Collage: a partir del Cubismo en "Del arte objetual al arte conceptual" de Marchan Fizz.
"El complot del arte, Ilusión y desilución estéticas" de Jean Baudrillard.
Dice: ..." Todo el dilema es este: o bien la simulación es irreversible y no hay nada mas allá de ella, no se trata ni siquiera de un acontecimiento, sino de nuestra banalidad absoluta, de una obscenidad cotidiana (...) o bien existe, de todos modos, un arte de la simulación, una cualidad irónica que resucita una y otra vez las apariencias del mundo para destruírlas. De lo contrario, el arte no haría otra cosa, como suele suceder hoy, que encarnizarse sobre su propio cadáver. No hay que sumar lo mismo a lo mismo, y asi sucesivamente, en abismo: esto es la simulación pobre. Hay que arrancar lo mismo de lo mismo. Es preciso que cada imagen le quite algo a la realidad del mundo; es preciso que en cada imagen algo desaparezca, pero no se debe ceder a la tentación del aniquilamiento, de la entropía definitiva; es preciso que la desaparición continúe viva: este es el secreto del arte"...
Para pensarlo, no? D. M
Collage: a partir del Cubismo en "Del arte objetual al arte conceptual" de Marchan Fizz.
"El complot del arte, Ilusión y desilución estéticas" de Jean Baudrillard.
Dice: ..." Todo el dilema es este: o bien la simulación es irreversible y no hay nada mas allá de ella, no se trata ni siquiera de un acontecimiento, sino de nuestra banalidad absoluta, de una obscenidad cotidiana (...) o bien existe, de todos modos, un arte de la simulación, una cualidad irónica que resucita una y otra vez las apariencias del mundo para destruírlas. De lo contrario, el arte no haría otra cosa, como suele suceder hoy, que encarnizarse sobre su propio cadáver. No hay que sumar lo mismo a lo mismo, y asi sucesivamente, en abismo: esto es la simulación pobre. Hay que arrancar lo mismo de lo mismo. Es preciso que cada imagen le quite algo a la realidad del mundo; es preciso que en cada imagen algo desaparezca, pero no se debe ceder a la tentación del aniquilamiento, de la entropía definitiva; es preciso que la desaparición continúe viva: este es el secreto del arte"...
Para pensarlo, no? D. M
sábado, 14 de julio de 2007
"El hombre, creador de sí mismo"
Algunas ideas básicas sobre el arte de Beuys me parecieron adecuadas para incluir en este blog. DM
Beuys consideraba al arte como la única fuerza verdaderamente revolucionaria. Y estimó siempre como un inadmisible menoscabo del arte, su limitación a la pintura de cuadros al óleo: "El error comienza ya cuando alguien se dispone a comprar bastidor y lienzo"... decía en uno de sus últimos manifiestos.
A la unidad indisoluble del arte y la vida, pertenecía para él, de forma evidente, la dimensión política.
Así todas las acciones y provocaciones de Beuys tienen por objeto vivificar al hombre en su capacidad creadora, sepultada por el constante empleo de la razón. El hombre renovado de tal manera en su creatividad propia, desarrollará entonces, una relación menos materialista con la naturaleza y se considerará a si mismo no ya como una existencia individual disciplinada y reducida por una serie de habilidades aprendidas, sino como una parte activa creadora de un organismo total.
Las fuerzas creadoras que Beuys ensalza como revolucionarias son en realidad aquellas que para Durero, el humanista, hacen posible el Renacimiento, el renacer cada hombre individual. La fórmula "Todo hombre es un artista" aparece pues ya en Durero, radicalizada en la convicción de que el hombre sólo es verdaderamente hombre en cuanto que es artista. "Haced uso de vuestro poder" dice Beuys, en las huellas de la tradición humanista, "del poder de que disponéis mediante vuestro derecho a la autodeterminación"...
Beuys consideraba al arte como la única fuerza verdaderamente revolucionaria. Y estimó siempre como un inadmisible menoscabo del arte, su limitación a la pintura de cuadros al óleo: "El error comienza ya cuando alguien se dispone a comprar bastidor y lienzo"... decía en uno de sus últimos manifiestos.
A la unidad indisoluble del arte y la vida, pertenecía para él, de forma evidente, la dimensión política.
Así todas las acciones y provocaciones de Beuys tienen por objeto vivificar al hombre en su capacidad creadora, sepultada por el constante empleo de la razón. El hombre renovado de tal manera en su creatividad propia, desarrollará entonces, una relación menos materialista con la naturaleza y se considerará a si mismo no ya como una existencia individual disciplinada y reducida por una serie de habilidades aprendidas, sino como una parte activa creadora de un organismo total.
Las fuerzas creadoras que Beuys ensalza como revolucionarias son en realidad aquellas que para Durero, el humanista, hacen posible el Renacimiento, el renacer cada hombre individual. La fórmula "Todo hombre es un artista" aparece pues ya en Durero, radicalizada en la convicción de que el hombre sólo es verdaderamente hombre en cuanto que es artista. "Haced uso de vuestro poder" dice Beuys, en las huellas de la tradición humanista, "del poder de que disponéis mediante vuestro derecho a la autodeterminación"...
martes, 3 de julio de 2007
Antonio Muntadas en Bs. As.
El artista catalán expone en nuestra ciudad y encuentro en sus obras y sus citas material acorde a nuestra investigacion. Paso a transcribir algunos párrafos. DM
Los proyectos de Muntadas pueden verse por primera vez en la Argentina en tres sitios a la vez: el Centro Cultural Recoleta, el Espacio Telefónica y el Centro Cultural de España en Buenos Aires. El artista crea sus propuestas -en las que une objetos y elementos gráficos, multimediales y fotografías- desde la observación de los seres, reconocidos o anónimos, multiplicados en los espacios públicos.
Refleja en algunas de sus obras a hombres y mujeres en las filas de los bancos, a la espera del autobús, en la puerta de un estadio, en el check in de un aeropuerto, a la espera de un taxi, en un observatorio, en una estación de tren.....como ocurre en su serie "On Traslation". Pero también alude a lo que causa la ausencia de la audiencia masiva en "Media sites/Media Monuments", donde reproduce la soledad de los espacios hoy vacíos que sirvieron de escenario a acontecimientos multitudinarios.
"A todos nos atraviesa el lenguaje de los medios", parece decir la obra de Muntadas. "Mis trabajos me sirven para intentar buscar respuestas. No sé si lo consigo, pero busco respuestas a los interrogantes que tengo", dice el artista catalán mientras almuerza a las apuradas.
Muntadas afirma que el arte, las ciencias sociales, y la sociedad de la información se cruzan, como en la teoría matemática de conjuntos, en un espacio común, que viene a ser la síntesis exacta de su obra. En la instalación Stadium XIII se conjugan la reflexión sociológica, el código arquitectónico, la lectura mediática y la perspectiva histórica. Según él, "el estadio y el museo son los dos elementos simbólicos que representan acabadamente esa relación que existe entre la alta cultura y la cultura popular".
"Atención: la percepción requiere participación" dicen los carteles que, con el estilo de los avisos callejeros, se alzan a la entrada de las sedes expositivas. Es la particular forma de intervención en el espacio público del artista catalán.
Muntadas dice que sus trabajos, eminentemente urbanos, fueron primero sensoriales, y se convirtieron luego en registros de los fenómenos de medios, en los que también interactua la arquitectura, que se ha hecho mas importante. Para él, el arte es percepción a través de los sentidos. "Cuando la audiencia junta esta percepción con la información, está en condiciones de racionalizar el trabajo". "The file room" es alusiva a la censura cultural en el mundo. Es un trabajo abierto, inacabado, que se alimenta de aportes anónimos de Internet que suman casos de censura en distintos países.
"The board room" es una impresionante babel religiosa que se compone de gigantescos retratos de 12 líderes religiosos, cuyas bocas se abren en pequeños monitores donde se suceden sus discursos.
"La mesa de negociación" reproduce un planisferio seccionado en una mesa circular, sostenida por pilas de libros, cuyos titulos se refieren al mercado de la cultura.
Muntadas finaliza con: "...los artistas tenemos que dar testimonio del tiempo en que vivimos"
Los proyectos de Muntadas pueden verse por primera vez en la Argentina en tres sitios a la vez: el Centro Cultural Recoleta, el Espacio Telefónica y el Centro Cultural de España en Buenos Aires. El artista crea sus propuestas -en las que une objetos y elementos gráficos, multimediales y fotografías- desde la observación de los seres, reconocidos o anónimos, multiplicados en los espacios públicos.
Refleja en algunas de sus obras a hombres y mujeres en las filas de los bancos, a la espera del autobús, en la puerta de un estadio, en el check in de un aeropuerto, a la espera de un taxi, en un observatorio, en una estación de tren.....como ocurre en su serie "On Traslation". Pero también alude a lo que causa la ausencia de la audiencia masiva en "Media sites/Media Monuments", donde reproduce la soledad de los espacios hoy vacíos que sirvieron de escenario a acontecimientos multitudinarios.
"A todos nos atraviesa el lenguaje de los medios", parece decir la obra de Muntadas. "Mis trabajos me sirven para intentar buscar respuestas. No sé si lo consigo, pero busco respuestas a los interrogantes que tengo", dice el artista catalán mientras almuerza a las apuradas.
Muntadas afirma que el arte, las ciencias sociales, y la sociedad de la información se cruzan, como en la teoría matemática de conjuntos, en un espacio común, que viene a ser la síntesis exacta de su obra. En la instalación Stadium XIII se conjugan la reflexión sociológica, el código arquitectónico, la lectura mediática y la perspectiva histórica. Según él, "el estadio y el museo son los dos elementos simbólicos que representan acabadamente esa relación que existe entre la alta cultura y la cultura popular".
"Atención: la percepción requiere participación" dicen los carteles que, con el estilo de los avisos callejeros, se alzan a la entrada de las sedes expositivas. Es la particular forma de intervención en el espacio público del artista catalán.
Muntadas dice que sus trabajos, eminentemente urbanos, fueron primero sensoriales, y se convirtieron luego en registros de los fenómenos de medios, en los que también interactua la arquitectura, que se ha hecho mas importante. Para él, el arte es percepción a través de los sentidos. "Cuando la audiencia junta esta percepción con la información, está en condiciones de racionalizar el trabajo". "The file room" es alusiva a la censura cultural en el mundo. Es un trabajo abierto, inacabado, que se alimenta de aportes anónimos de Internet que suman casos de censura en distintos países.
"The board room" es una impresionante babel religiosa que se compone de gigantescos retratos de 12 líderes religiosos, cuyas bocas se abren en pequeños monitores donde se suceden sus discursos.
"La mesa de negociación" reproduce un planisferio seccionado en una mesa circular, sostenida por pilas de libros, cuyos titulos se refieren al mercado de la cultura.
Muntadas finaliza con: "...los artistas tenemos que dar testimonio del tiempo en que vivimos"
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